‘Jaws’ dhe dy notat muzikore që ndryshuan kinemanë përgjithmonë

“Po, unë do ta bëja.”

Dy shënime të thjeshta – E dhe F – janë bërë sinonime me tension, frikë dhe peshkaqenë, duke përfaqësuar frikën primitive të ndjekjes nga një grabitqar.

Dhe ata kryesisht kanë “Jaws” për të falënderuar.

Pesëdhjetë vjet më parë, filmi blockbuster i Steven Spielberg – së bashku me muzikën e frikshme të kompozuar nga John Williams – bindën breza peshkatarësh të mendojnë dy herë para se të hyjnë në ujë.

Si një studiues i historisë së medias dhe kulturës popullore, vendosa të hyj më thellë në qëndrueshmërinë e këtyre dy shënimeve dhe mësova se si ato ndikohen nga muzika klasike e shekullit të 19-të, Mickey Mouse dhe Alfred Hitchcock.

Videoja në YouTube nuk po shfaqet për mua

I pari blockbuster i verës

Në vitin 1964, peshkatari Frank Mundus vranë një peshk të madh të bardhë prej 4,500 paundësh në afërsi të Long Island.

Pas dëgjimit të historisë, gazetari i lirë Peter Benchley filloi të paraqiste një roman bazuar në përpjekjen e tre burrave për të kapur një peshkaqen man-eating, duke e bazuar personazhin e Quint-it nga Mundus. Doubleday i dha urdhër Benchley-t për të shkruar romanin, dhe në vitin 1973, producentët e Universal Studios Richard D. Zanuck dhe David Brown blenë të drejtat e filmit për romanin para se të publikohej. Spielberg, i cili ishte 26 vjeç, u nënshkrua për të qenë regjisor.

Duke shfrytëzuar frikërat mitike dhe reale në lidhje me peshkaqenët e mëdhenj të bardhë – duke përfshirë një seri të famshme sulme peshkaqenësh në bregdetin e Nju Xhersit në vitin 1916 – romani i Benchley-t të vitit 1974 u bë një bestseller. Libri ishte një pjesë kyçe e fushatës së marketingut të Universal, e cila filloi disa muaj para publikimit të filmit.

Duke filluar në vjeshtën e vitit 1974, Zanuck, Brown dhe Benchley u shfaqën në një numër programesh radiofonike dhe televizive për të promovuar në të njëjtën kohë publikimin e botimit të romanit në format të lehtë dhe filmit të ardhshëm. Po ashtu, fushata e marketingut përfshinte një fushatë reklamash kombëtare televizive që përfshinte temën dy-notës së kompozitorit të ri Williams. Plani ishte për një lirim veror, i cili në atë kohë ishte i rezervuar për filma me vlerësime të pakta të shkëlqyera.

Filmat në atë kohë zakonisht dilnin në treg sipas tregut, të paraprirë nga recensione lokale. Megjithatë, vendimi i Universal për të lançuar filmin në qindra kinema në të gjithë vendin më 20 qershor 1975, çoi në fitime të mëdha paraprake, duke shkaktuar një periudhë prej 14 javësh si filmi numër 1 në SHBA

Shumë e konsiderojnë “Jaws” si i pari blockbuster veror i vërtetë. Ai e çoi Spielberg në famë dhe filloi bashkëpunimin e gjatë të regjisorit me Williams, i cili më vonë do të fitonte numrin e dytë më të lartë të nominimeve për Çmimin Oscar në histori – 54 – pas vetëm 59 të Walt Disney-t.

Zemra e filmit

Megjithëse tani konsiderohet si një nga më të mëdhatë në historinë e filmit, kur Williams propozoi temën dy-notëshe, Spielberg fillimisht mendoi se ishte një shaka.

Por Williams ishte frymëzuar nga kompozitorët e shekullit të 19-të dhe 20-të, duke përfshirë Claude Debussy, Igor Stravinsky dhe veçanërisht Simfoninë nr. 9 të Antonin Dvorak, “Nga Bota e Re.” Në temën e “Jaws”, mund të dëgjoni jehonat e fundit të simfonisë së Dvorak, si dhe tingujt e një pjese tjetër muzikore të drejtuar nga personazhi, “Peter and the Wolf.”

“Peter and the Wolf” dhe shifra nga “Jaws” janë të dyja shembuj kryesorë të leitmotifs, ose një pjesë muzikore që përfaqëson një vend ose një personazh.

Shpejtësia e ndryshueshme e ostinatos – një motiv muzikor që përsëritet vetë – nxjerr në pah nivele të rritura të emocioneve dhe frikës. Kjo u bë më e rëndësishme ndërsa Spielberg dhe ekipi teknik luftonin me sharkët pneumatikë të defektuar që i kishin quajtur “Bruce”, pas avokatit të Spielberg-it.

Si rezultat, sharku nuk shfaqet derisa të arrijë momentin 81 minutësh të filmit prej 124 minutash. Por prezenca e tij ndjehet përmes temës së Williams-it, të cilën disa studiues muzikorë e kanë teorizuar se evokon shpirtin e sharkut.

Zëra për të manipuluar emocionet

Williams gjithashtu ka për të falënderuar Disney-n për revolucionizimin e muzikës së bazuar në karakter në filma.

Të dy nuk ndajnë vetëm një kuti të trofeve të mbushur plot. Ata gjithashtu kuptuan se si muzika mund të rrisë emocionin dhe të madhërojë veprimin për audiencën.

Megjithëse karriera e tij filloi në epokën e filmit të heshtur, Disney u bë një titan i filmit, dhe më vonë i mediave, duke shfrytëzuar tingullin për të vendosur një nga yjet më të mëdhenj në historinë e mediave, Mickey Mouse.

Kur Disney pa shikuar “The Jazz Singer” në vitin 1927, ai e dinte se zëri do të ishte e ardhmja e filmit.

Më 18 nëntor 1928, “Steamboat Willie” u shfaq në Teatrin e Kolonisë së Universal-it në Nju Jork si filmi i parë i Disney-t i animuar që përfshinte zë të sinkronizuar.

Ndryshe nga përpjekjet e mëparshme për sjelljen e zërit në film duke përdorur lojëra rekordësh që luanin në të njëjtën kohë ose duke dërguar muzikantë të gjallë për të performuar në teatër, Disney përdori teknologji që regjistroi zërin direkt në rullin e filmit.

Nuk ishte i pari film i animuar me zë të sinkronizuar, por ishte një përmirësim teknik ndaj përpjekjeve të mëparshme për të, dhe “Steamboat Willie” u bë një hit ndërkombëtar, duke nisur karrierën e Mickey-t – dhe Disney-t.

Përdorimi i muzikës ose zërit për të përshtatur ritmin e personazheve në ekran u bë i njohur si “Mickey Mousing.”

“King Kong” në vitin 1933 do të përdorte me mjeshtëri Mickey Mousing në një film me aktorë të gjallë, me muzikë që imiton lëvizjet e gorillës gjigante. Për shembull, në një skenë, Kong merr me vete Ann Darrow, të cilën e luan aktorja Fay Wray. Kompozitori Max Steiner përdor tonalitete më të lehta për të përcjellë kuriozitetin e Kongut ndërsa ai mban Ann, pas së cilës vijnë tonalitete të kërcënuara, më të shpejta, ndërsa Ann shpëton dhe Kongu e ndjek. Duke bërë këtë, Steiner inkurajon shikuesit të frikësohen dhe të lidhen me krijesën gjatë gjithë filmit, duke i ndihmuar ata të ndërpresin mosbesimin dhe të hyjnë në një botë fantazie.

Mickey Mousing u ul në popullaritet pas Luftës së Dytë Botërore. Shumë regjisore e panë atë si të mitur dhe shumë të thjeshtë për industrinë e filmit që po evoluonte dhe po përparonte.

Kur më pak është më shumë

Pavarësisht kësaj kritike, teknika ishte ende e përdorur për të regjistruar disa skena ikonike, si loja e violinave në dush ndërsa Marion Crane goditet me thikë në “Psycho” të Alfred Hitchcock.

Spielberg e idolizonte Hitchcock. Një Spielberg i ri madje u largua nga seti i Universal-it pasi u fsheh për të parë prodhimin e filmit të Hitchcock-it të vitit 1966 “Torn Curtain”.

Edhe pse Hitchcock dhe Spielberg nuk u takuan kurrë, “Jaws” shkëlqyeshëm tregon ndikimin e Hitchcock-it, “Mjeshtrit të Suspense-it”. Dhe ndoshta kjo është arsyeja pse Spielberg fillimisht kaloi mbi dyshimet e tij për përdorimin e diçkaje kaq të thjeshtë për të përfaqësuar tensionin në thriller.

Përdorimi i motivit me dy nota ndihmon të kapërcejë çështjet e prodhimit që përballoi Spielberg duke drejtuar filmin e parë me gjatësi të plotë që u filmua në oqean. Peshkaqeni animatronik i defektuar detyroi Spielberg-in të shfrytëzonte temën minimaliste të Williams për të përfaqësuar praninë e frikshme të peshkaqenit pavarësisht nga shfaqjet e kufizuara të yllit grabitqar me emër të njëjtë.

Ndërsa Williams vazhdoi karrierën e tij legjendare, ai do të përdorte një motiv sonor të ngjashëm për disa karaktere të “Yllit të Luftërave”. Çdo herë Darth Vader u shfaq, luhej “Udha Perandorake” për të përcaktuar tonin për udhëheqësin e anës së errët.

Ndërsa buxhetet e filmave po afron më pranë një gjysmë miliard dollarësh, tema e “Jaws” – dhe mënyra se si ato dy nota manipulojnë tensionin – është një kujtesë se në film, ndonjëherë më pak mund të jetë më shumë.